Таймкоды
0:19 – Как развить художественность при самостоятельном обучении игре на фортепиано? Для пианиста важны самобытность, наслушанность и широкий кругозор.
1:28 – Эмоциональный интеллект пианиста – влияние на исполнительское мастерство
2:36 – Второй аспект развития художественности в исполнении – обширный кругозор
3:35 – Роль наслушанности для пианиста.
Как развить художественность при самостоятельном обучении игре на фортепиано?
От вопросов техники и инструментария мы переходим к вопросам художественности. Чему и будет посвящён сегодняшний видеоурок. Для пианиста важна самобытность, наслушенность и кругозор. Что такое самобытность? Это собственный взгляд на музыку, на вещи, которые вы играете, и отсутствие оглядки на чужое мнение.
Когда человек играет ради кого-то или чего-то, например, престижа или с целью кому-то понравиться, когда выполняет правила ради правильности, то он продолжает быть учеником. По-настоящему самобытный музыкант — это творец, который опирается на свой собственный опыт и свои знания. Речь здесь не идёт о самодурстве или о том, что я знаю лучше всех, а о сформированном и конкретном собственном мнении.
Что формирует самобытность? Это не только владение всеми пианистическими приёмами и мастерство, выработанное годами, а ещё эмоциональный и интеллектуальный опыт, устойчивая творческая позиция. То есть твёрдое решение быть музыкантом. Но об этом мы поговорим ещё позже.
Эмоциональный интеллект пианиста – влияние на исполнительское мастерство
Первый важный аспект зрелого музыканта — это развитый эмоциональный интеллект.
Это способность воспринимать, понимать чужие и свои чувства, уметь рефлексировать, уметь перерабатывать этот опыт, интегрируя его в музыку. Мало просто почувствовать и осознать то, что вы почувствовали. Важно ещё знать, где в музыке, которую вы исполняете, это применимо. Причём юмор — это тоже важная составляющая эмоционального интеллекта.
Потому что композиторы, они не только писали серьёзную музыку с выверенными гармониями, со строгими формами. Они были такими же людьми, как и мы все. Они умели смеяться, шутить и доносили это всё через музыку. В таком случае задача исполнителя будет сделать так, чтобы то, что должно быть смешно, было смешно. И развитие эмоционального интеллекта в себе.
Это, конечно же, не самоцель и не результат, к которому вы должны прийти. Это постоянная внутренняя работа, которая производится на протяжении всей вашей жизни.
Второй аспект развития художественности в исполнении – обширный кругозор
Следующий важный аспект — это кругозор: интерес к искусству, к литературе, к философии, к жизни в целом. То есть нельзя, будучи пианистом, просто изучать всё, что касается фортепиано, оттачивать гаммы до посинения, играть только пьесу, которую вам задали.
Но и просто жить жизнь. То есть важно также изучать и контекст произведения, потому что часто они сопряжены с определённой эпохой …С определёнными переживаниями, которые испытывал композитор в момент написания. Речь не про бесконечное потребление знаний, а про углубление в интересующую вас область.
Важно понимать, что из этого вам действительно нравится, что трогает вашу душу и сердце, а не чтобы это превратилось в конечном итоге в учёбу ради учёбы. Потому что так надо.
Роль наслушанности для пианиста
Третий аспект — это наслушанность. Это активное аналитическое слушание разной музыки в качественном исполнении. Чтобы формировался некий стандарт идеального звука.
Это нужно, чтобы заимствовать идеи. Потому что человек сначала учится на чьём-то опыте, чтобы потом создавать своё. Невозможно создавать что-то новое, если не понимать правила игры в целом и не видеть, как в эту игру играют другие. Если вы сейчас обучаетесь, то обязательно интересуйтесь историей произведений, которые сейчас играете. Например, в какую эпоху жил автор этого произведения?
Каким он просто был человеком? Какой у него характер? Как относился к жизни в целом? Послушайте, как эти пьесы играют великие пианисты, и сравните их произведения. Можно и нужно в этом случае размышлять на тему того. Почему конкретный исполнитель исполняет эту пьесу или даже конкретный фрагмент? Именно так.
Также выделите для себя интерпретацию, которая вызывает в вас эмоциональный отклик. Попросту вам нравится. И возьмите её за основу работы над пьесой. К примеру, в мою работу над пьесой, особенно после того, как текст уже выучен, обязательно входит анализ разных исполнений. Не просто в наушниках по дороге, а внимательно переслушивая несколько раз. С нотами и с карандашом, чтобы детально фиксировать всю динамику и фразировку, которая использует автор.
И затем уже на этой основе начинается настоящая работа со звуком. Особенно интересно, если вы не согласны с какими-то решениями. Может быть, автора, может быть, редактора или исполнителя произведения и привносите что-то своё. А педагог уже может скорректировать ваше намерение, предложив что-то своё или оставив полностью ваше решение.
Это основа работы над любым произведением и ступенька к его зрелому исполнению. Стиль как язык. Каждая эпоха имеет свой музыкальный язык, свою грамматику и свои выразительные средства. Грамматика — это система правил и принципов, которые организуют музыкальные единицы в осмысленные структуры, исходя из композиторского замысла и эпохи.
Это типичные гармонические обороты и ритмические формулы, которые характерны для той или иной эпохи. Также сюда входит фразеровка, артикуляция и структура музыкальных построений. Например, в классицизме фраза часто строится по принципу «вопрос-ответ». Разделение между ними довольно чёткое. А вот в романтизме уже фраза становится более длинной, и переходы между фразами более текучие.
Особенности звукоизвлечения напрямую связаны с инструментом, для которого писал композитор. Учитывать это стоит, но полной аутентичности, конечно же, от вас никто не ждёт. Это и не получится сделать на современном рояле. Но говорить на языке композитора и сохранять узнаваемость стиля необходимо.
Например, венский классицизм. Это Гайден, Моцарт, ранний Бетховен. Инструмент того времени — это клавессин. Ну и ранние переходные формы фортепиано. Отсюда и некая прозрачность звука. Стеклянность, ясность. Педалей на клавесине не было, поэтому она используется, как правило, минимально, либо вообще не используется. Артикуляция в венском классицизме, как правило, лёгкая и пальцевая.
Вес всего тела здесь практически не используется. Далее — романтизм. Яркие представители которого — это Шуман, Шопен и Лист. В расцвет романтизма инструмент уже близок к современному роялю. Соответственно, сильно расширился динамический диапазон от пианиссимо до фортисcимо. Управлять звуком стало гораздо удобнее, поэтому появилось и огромное количество градаций между звуками.
А сам звук стал гораздо более продолжительным, и, соответственно, на нём уже стали добиваться как бы итальянского бельканто, то есть пения на рояле. Активно применяется Рубата. Оно как естественное дыхание, как гибкость темпа. Педаль тоже уже становится неотъемлемым элементом. Говоря об импрессионизме, представителями которого являются Дебюси, Равель, уже стоит провести аналогию с направлением, которое существует в живописи.
На первый план здесь выходит использование педали как колористического элемента. Она уже выступает не как способ связи звуков с чётким разделением гармонии, а наоборот позволяет накладываться гармониям друг на друга, как бы размывая их. Уже применяется и средняя педаль, и сложные педальные техники, например, вибрато-педалью или полупедаль.
Понимание стиля — это ключ к замыслу композитора. Если вы знаете, в какую эпоху жил композитор, какой у него был инструмент и какие у этого инструмента были возможности, а соответственно, какие приёмы он диктовал, то игра будет осознанной. Тогда ваш слуховой контроль будет опираться не только на ощущения, но и на знания.
Подытожим темы, которые мы сегодня обсудили. Разбираться в музыкальных стилях и направлениях очень важно. Но также важно понимать, что это всё не догма, а именно то, что даёт вам пространство для личной интерпретации. Также важно формировать самобытность. То есть работать над эмоциональным восприятием и интеграцией в музыку, интересоваться различными сферами искусства и тренировать навык активного слушания.
С вами была Школа музыки Ля Си, и я Алёна Гетман.
